Die Kunst der Ureinwohner Amerikas
Die frühesten Formen des künstlerischen Ausdrucks waren die von den amerikanischen Ureinwohnern in Höhlen gezeichneten Fresken. In Texas, insbesondere in der Region Bas-Pecos nahe der mexikanischen Grenze, wurden Tausende von in den Fels geritzten oder gemalten Zeichnungen freigelegt. Diese Petroglyphen stammen aus der präkolumbischen Zeit (vor 4000 Jahren) und stellen ein Tier als zentrale Figur dar. Aus diesem Grund werden sie von Archäologen gerne mit Jagdritualen in Verbindung gebracht.
Zu den bekanntesten gehört der Unterschlupf des weißen Schamanen mit einer wunderschönen mehrfarbigen Erzählung. Fantastische und symbolische Figuren sind auf diesem über acht Meter langen Werk miteinander verwoben. Neuere Studien haben ergeben, dass es die kosmogonischen Mythen der mittelamerikanischen Völker, insbesondere der Azteken, illustriert.
Auf dem Weg zur modernen Kunst
Die Spanier sorgten im 17. Jahrhundert für religiöse Kunst in Texas. Die Werke waren zur Ausschmückung der Missionen bestimmt.
Der Maler und Entdecker George Catlin (1796-1872) unternahm zahlreiche Reisen durch Amerika, um das Alltagsleben der Indianer zu malen. Catlin tauchte in die Herzen der Stämme ein, um die Kultur der Eingeborenen so gut wie möglich zu dokumentieren. Er sammelte seine geduldige Malarbeit, um 1838 dieIndian Gallery zu gründen. Zur Erinnerung: Texas gehörte zu diesem Zeitpunkt noch nicht zu den Vereinigten Staaten.
Der älteste texanische Maler, Frank Reaugh (1860-1945), ließ sich von der lokalen Flora und Fauna inspirieren. Die Great Plains gehören zu den Themen, die der Dean zeichnerisch, malerisch, aber auch fotografisch behandelt. Er eröffnet eine der ersten Kunstschulen in Dallas.
Die moderne Kunst hält mit abstrakten Wandmalereien Einzug, darunter die von Seymour Fogel. Der 1911 in New York geborene expressionistische Maler und Bildhauer wandte sich später der Abstraktion zu. Sein Atelier richtete er in einer Scheune in Austin ein. Texas gab bei ihm in den 1950er und 1960er Jahren mehrere Wandgemälde für seine öffentlichen Gebäude in Auftrag. Er kehrte 1959 nach New York zurück, nachdem er die Entstehung der texanischen Bewegung für moderne Kunst beeinflusst hatte. Zu sehen im Modern Art Museum of Fort Worth.
Der Bildhauer Charles Umlauf, geboren 1911, lehrte ab 1941 an der Universität von Austin. Er schenkte der Stadt sein Atelier und sein Haus, aus dem der Umlauf Sculpture Garden and Museum wurde. Zwischen Neoklassizismus, Expressionismus und Lyrik verteilen sich rund 60 Werke in einem Garten, in dem zahlreiche kulturelle Veranstaltungen stattfinden.
Robert Rauschenberg
Das berühmte Kind des Landes erblickte 1925 in Port Arthur das Licht der Welt. Als Vorläufer der Pop-Art wuchs Rauschenberg in einer einfachen Familie auf. Er trat in die Armee ein und schrieb sich parallel dazu für Kunstkurse in Kansas ein. Malerei, Bildhauerei, Kunstgeschichte, Musik, Mode - alles begeisterte den Künstler, der seine Ausbildung 1948 in Paris fortsetzte. Zwei Begegnungen prägten seine Anfänge: der Vorläufer des abstrakten Expressionismus Willem De Kooning und die Malerin Susan Weil, die er 1950 heiratete und die ihm oft als Modell diente.
Nach seiner Rückkehr in die USA arbeitete er mit dem Komponisten John Cage und dem Choreografen Merce Cunningham zusammen, denen er sehr nahe blieb. Bei seiner ersten Ausstellung 1951 wurden seine White Paintings- weiße Monochrome, mit denen er die Malerei auf das Wesentliche reduzieren wollte - nur lauwarm aufgenommen. Doch 1952 nahm er zusammen mit John Cage am Black Mountain College an einem Happening teil, das als das erste in der Kunstgeschichte gilt. Das titellose Ereignis vereinte mehrere Kunstbereiche. Im selben Jahr unternahm er mit Cy Twombly eine lange Reise, auf der er mit den heterogenen Collagen begann, die zu einem seiner Markenzeichen werden sollten.
Nach seiner Rückkehr ließ sich Rauschenberg in New York nieder. Seine Beziehung zu dem Maler Jasper Johns beeinflusst seine "Neo-Dada"-Forschung über die Grenze zwischen Kunst- und Gebrauchsgegenständen. Während er seine Zusammenarbeit mit Merce Cunningham fortsetzt, wird er 1964 der erste amerikanische Künstler, der auf der Biennale von Venedig ausgezeichnet wird. Nach einer Reise nach Israel erkundete er 1975 seine Arbeit in der Fotografie. Das Centre Pompidou widmete ihm 1981 eine Ausstellung.
Er kehrt zur Malerei zurück, trägt sie jedoch auf Metall auf, um die Umgebung auf den Betrachter zurückzuführen. Rauschenberg, der schon zu Lebzeiten erfolgreich ist, wird zum Mäzen und verteilt einen Teil seines Vermögens für wohltätige Zwecke. Der Künstler starb 2008 in seinem riesigen Atelier auf der Insel Captiva in Florida.
Marfa und die Avantgarde
Die weiten Flächen von Texas eignen sich hervorragend für monumentale Installationen.
Der Künstler Donald Judd (1928-1994) machte das Städtchen Marfa zu einem Kulturzentrum. Judd veröffentlichte 1965 Specific Objects, eines der Gründungsmanifeste der minimalistischen Kunst. Judd, der zunächst ein expressionistischer Maler war, reduzierte seine Ästhetik, um jeden Bezug zu einer identifizierbaren Figur zu verbieten. Für seine dreidimensionalen Objekte suchte er nach Orten, an denen sie optimal aufgestellt werden konnten. Zu diesem Zweck erwarb er zunächst ein fünfstöckiges Gebäude in New York. Da seine Skulpturen jedoch immer mehr Platz beanspruchten, zog er weiter nach Westen. So baute er 1971 eine große Ranch in Marfa, Texas, um, um sie in einen Ausstellungsraum zu verwandeln. Ab 1972 ließ er sich dort endgültig nieder und kaufte dann ein Stück Wüste, das zur Chinati Foundation wurde. Dieses Zentrum für Konzeptkunst beherbergt heute unter anderem Werke von Carl André, Richard Long und Claes Oldenburg.
In Marfa trifft die Avantgarde auf die Kultur des Wilden Westens. Es gibt immer mehr Galerien und Installationen zeitgenössischer Kunst im Freien, wie das Werk Prada Marfa, eine Parodie auf ein Luxusschaufenster, das von dem skandinavischen Duo Elmgreen & Dragset entworfen wurde. Aufgestellt wurde es mitten in der Wüste, 45 km nordwestlich der Stadt.
Skulptur im Freien
Kurz darauf, 1974, im Norden von Texas, unterstützte ein Millionär aus Almarillo die Realisierung von Cadillac Ranch. Die monumentale Skulptur von Chip Lord, Hudson Marquez und Doug Michels wurde in der Nähe der alten Route 66 in einem Wüstengebiet auf halbem Weg zwischen Los Angeles und Chicago errichtet. Finanziert von Stanley March, präsentiert es sich in Form von zehn Cadillacs, deren Nasen im Sand stecken. Die Autowracks, die in ihrem ursprünglichen Zustand in den Boden gesteckt wurden, lassen den Besuchern die Freiheit, ihre eigenen Markierungen hinzuzufügen oder sogar einige Teile zu stehlen. Der Besuch ist kostenlos, was die Cadillac Ranch gleichzeitig zu einem Werk der Land Art, der Street Art, einem dadaistischen Manifest gegen die Konsumgesellschaft, aber auch zu einer Installation mit Bezug auf Megalithen macht.
Die Cadillacs werden im Laufe der Jahre immer wieder neu lackiert, um Veranstaltungen zu markieren oder in Musikvideos, Werbespots und anderen Dokumentarfilmen aufzutreten. Diese zeitlosen Stars gibt es nun auch in digitaler Form.
In ganz Texas sind die Skulpturen im öffentlichen Raum oder in Skulpturenparks zu finden. Das Nasher Sculpture Center in Dallas (im Kunstviertel der Innenstadt) ist der zeitgenössischen Skulptur gewidmet und umfasst ein Museum und einen Skulpturengarten, der eine Installation aus der Serie Sky Space von James Turrell beherbergt. Sie besteht aus Lichtkammern, die zu einem völlig eingetauchten Lichterlebnis einladen. Weltweit gibt es mehr als 75 solcher Räume. Das von Renzo Piano entworfene Museum zeigt Skulpturen von Brancusi, Calder, Matisse, Henry Moore, Rodin und vielen anderen.
In Houston steht die Skulptur Broken Obelisk (1963-1967) von Barnett Newman vor der Rothko Chapel. Der 7,50 m hohe, umgekehrte Obelisk ist von den Codes des alten Ägyptens inspiriert. Die Kapelle wurde von den Sammlern Jean und Dominique de Ménil bei Rothko in Auftrag gegeben und soll ein Ort der Meditation inmitten einer Gemäldesammlung sein.
Graffiti & Co
Die Kleinstadt San Angelo wurde zur Hauptstadt der visuellen Künste in Texas ernannt und ist reich an kulturellen Attraktionen. In den Straßen des historischen Zentrums befinden sich zahlreiche Kunstgalerien. Erkunden Sie sie, um regionale Talente zu entdecken.
Auf den Straßen findet jedes Jahr im Oktober ein Open-Air-Kunstwettbewerb statt, der die Massen anzieht. Und das ganze Jahr über gibt es neben den beiden kostenlosen Freilichtmuseen auch Streetart, die ihre Farben vibrieren lässt. Die Vereinigung Art in Uncommon Spaces ist die Dachorganisation für Kunstveranstaltungen im öffentlichen Raum. Sie ist unter anderem für die über 50 Wandgemälde verantwortlich, die sich entlang der Paintbrush Alley im Stadtzentrum von San Angelo erstrecken.
Mosaike und Skulpturen sind auf dem San Angelo Riverwalk und dem Red Arroyo Trail zu sehen. Wer sich für Installationen interessiert, sollte den City Park und den Concho Community Park besuchen. Am Ufer des Concho River bietet ein Abstecher zum San Angelo Museum of Fine Arts eine hervorragende Gelegenheit, neben texanischem Kunstschaffen auch mexikanische Einflüsse und koloniale Kunst zu entdecken.
Das Pop'Art Museum in einer ehemaligen Bowlingbahn ist eine schöne Verlängerung der farbenfrohen Entdeckungsreise durch San Angelo.
In Austin war ein von riesigen Betonwänden umgebenes Ödland in der Baylor Street für ein Immobilienprojekt vorgesehen, bis Shepard Fairey es in Besitz nahm. Andere Street-Artists schlossen sich dem Papst der Straßenkunst an und verwandelten das Grundstück in ein sich entwickelndes Kunstwerk. Die HOPE Outdoor Gallery wurde schnell zu einer der größten Freiluftgalerien des Kontinents. Im Jahr 2021 musste die HOG in die Nähe des Flughafens, in die 741 Dalton Lane, umziehen.
In Houston zeigt die Graffiti-Gemeinde stolz ihre Vielfalt. Alle ethnischen und sozialen Hintergründe teilen sich den öffentlichen Raum. Eine erste Serie von 10 Wandgemälden wurde 2022 in Auftrag gegeben, um die Stadt aufzuheitern. Um nur einige zu nennen: Auf der Fassade des Four Seasons Hotel (1115 Austin St., Houston, TX 77002) malte Emily Ding eine bukolische Landschaft mit dem Titel Loving Houston; Case Maclaims Riesenradler Social Equity radelt auf dem Scanlan Building (405 Main St.); Ana Mariettas romantisches Sharing the World verschönert das Cotton Exchange Building (202 Travis St.) Titel, die wie süße Versprechungen klingen..
Kunst in New Mexico
Der Staat weckte bei vielen talentierten Künstlern Interesse und Faszination. Im Jahr 1915 entstand sogar eine globale Bewegung. Die Taos Society of Artists genannte Kolonie wurde von mehreren Malern gegründet, die sich ab den 1890er Jahren vom historischen und ethnografischen Reichtum des Pueblos angezogen fühlten, aber auch von der landschaftlichen Schönheit der Region Taos. Im Zentrum dieser Bewegung konnten sich verschiedene künstlerische Strömungen frei entfalten, die am Reichtum eines Ökosystems und an der Verbreitung der indianischen Kultur teilhatten, die weit über die Grenzen der Stadt, des Bundesstaates oder sogar des Landes hinausging. Die Gründungsmitglieder dieser Künstlergesellschaft waren Joseph Henry Sharp, Bert Geer Phillips, Ernest Leonard Blumenschein, William Herbert Dunton, E. Irving Couse und Oscar E. Berninghaus. Einige ihrer Werke sind im Taos Art Museum at Fechin House ausgestellt. Die reiche Mäzenin Mabel Dodge Luhan spielte eine wichtige Rolle bei der Förderung dieser Organisation, die auch andere talentierte Künstler in den Norden New Mexicos lockte. Wie könnte es anders sein, als die Modernistin Georgia O'Keeffe zu nennen. Sie wurde in Sun Prairie, Wisconsin, geboren und besuchte die künstlerische Avantgarde in New York, bevor sie ab 1929 New Mexico entdeckte und sich dort schließlich dauerhaft niederließ. In Taos schuf sie eines ihrer wichtigsten Werke: The Lawrence Tree. In Santa Fe ist ihr das Georgia O'Keeffe Museum gewidmet, und wer es ganz genau wissen will, kann in Abiquiú das Haus besuchen, in dem sie 1986 starb, das Georgia O'Keeffe Home and Studio. Auch die britische Malerin Dorothy Brett verliebte sich in den Bundesstaat und insbesondere in Taos, wo sie sich von 1924 bis zu ihrem Tod 1977 aufhielt. Tommy Wayne Cannon, bekannt als T. C. Cannon, war ebenfalls ein indianischer Künstler mit internationaler Ausstrahlung. Leider kam er 1978 in Santa Fe im Alter von 31 Jahren an den Folgen eines Autounfalls ums Leben. Und das sind nur einige Künstler aus einer Vielzahl von Malern und Bildhauern, die in den Landschaften und Lebensszenen dieses Staates ihre Inspiration fanden.
