Entdecken Sie Japan : Auf dem Bildschirm (Film / TV)

Geburt und goldenes Zeitalter des japanischen Kinos

^Jahrhunderts wurde das japanische Publikumvon den Erfindungen Edisons und der Gebrüder Lumière inspiriert und in den Bann des Kinos gezogen. Am 15. Februar 1897 fand im Nanchi-Enbujo-Theater in Osaka die erste Filmvorführung statt, die den Beginn der japanischen Filmgeschichte markierte. Schon bald nahmen sich die ersten japanischen Kameramänner und Filmemacher des Mediums an. Zu ihnen gehörten Shirō Asano und sein Angestellter Shibata Tsunekichi, die die ersten japanischen Filme drehten. Tsunekichis Spaziergang unter dem Laub des Ahornbaums (1899) ist eines der wenigen erhaltenen Werke aus dieser Zeit. Wie dieser Kurzfilm wurde das frühe japanische Kino stark vom Kabuki-Theater beeinflusst, das für die nationalen Regisseure eine Quelle von Schauspielern war. Matsunosuke Onoe, der seit seinem 14. Lebensjahr Mitglied einer Wandertruppe war, wurde zu einem der ersten Stars des japanischen Kinos. Zwischen 1909 und 1926 spielte er in fast tausend Filmen mit, darunter zahlreiche Jidaigeki, Schwertfilme, die Vorläufer der großen Samurai-Streifen. Das noch stumme Kino wird von den Benshi begleitet, den Lebemännern, die die Filme erzählen, beschreiben und animieren und deren Ruhm bald genauso groß ist wie der der Stars, die auf der Leinwand zu sehen sind. Wenn Sie die Gelegenheit haben, versuchen Sie, die Komödie Talking the pictures von Masayuki Suo (2019) ausfindig zu machen, eine vibrierende und witzige Hommage an diese magische Periode der Filmgeschichte.

In den 1930er Jahren traten im japanischen Kino mit den ersten Filmen von Yasujirō Ozu(Kinder von Tokio, 1932) und Kenji Mizoguchi(Die Elegie von Osaka , 1936) die ersten großen Figuren auf. Diese Zeit, die von Wirtschaftskrisen durchzogen war und vor dem Hintergrund des aufkeimenden Nationalismus stattfand, brachte sozialere Themen in das Kino, das bis dahin auf Theateradaptionen und Epochenfilme beschränkt war. Sowohl Ozu als auch Mizoguchi griffen diese Themen auf, indem sie in Gosses de Tokyo vernachlässigte Kinder oder in L'Élégie d'Osaka ein junges Mädchen zur Prostitution zwangen, um zu überleben.

Der Krieg und die Einführung der staatlichen Zensur im Jahr 1939 behinderten die Produktion, brachten sie aber nicht zum Erliegen. Mizoguchi und Ozu führten weiterhin Regie, wobei sie sich mehr oder weniger erfolgreich durch die Maschen der Regierung schlängelten. So wurde Ozus Film Der Geschmack von Reis mit grünem Tee (1952) von der Zensurbehörde abgelehnt, es sei denn, er nahm drastische Änderungen am Drehbuch vor, die er aber nicht akzeptierte. Die Filme Die Geschwister Toda (1941) und Es war ein Vater (1942) sollten die einzigen Produktionen des Regisseurs in dieser Zeit bleiben. Mizoguchi seinerseits drehte sowohl persönliche Erzählungen, darunter seine "Kunst-Trilogie", als auch Propagandafilme für Shōchiku, den 1895 gegründeten japanischen Filmriesen. Aus dieser Zeit stammt "Märchen der späten Chrysanthemen " (1939), der heute als einer der besten Filme des Meisters gilt.

Nach dem Krieg und trotz der strengen Überwachung durch die Amerikaner wurde das japanische Kino durch diese Filmemacher und den Newcomer Akira Kurosawa wiederbelebt. Der vielseitige und talentierte Kurosawa entwickelte schnell ein scharfes Gespür für das Erzählen von Geschichten und belebte die Genres des japanischen Kinos neu. 1951 wurde Rashōmon (im Jahr zuvor in Tokio veröffentlicht) in Venedig ausgezeichnet, bevor er den Oscar für den besten fremdsprachigen Film erhielt. Das japanische Kino wurde der ganzen Welt bekannt und Werke wie Reise nach Tokio (Ozu, 1953), Die Geschichten vom Wellenmond nach dem Regen (Mizoguchi, 1953) und Die sieben Samurai (Kurosawa, 1954) gehören nun zum Pantheon des Weltkinos. Ozu und Mizoguchi starben einige Jahre später, aber Akira Kurosawa setzte seine Karriere bis in die 1990er Jahre fort, indem er das Erbe der japanischen Meister fortsetzte und sich mit Filmen wie Kagemusha (1980) oder Ran (1985) erneuerte.

Genrekino und Nouvelle Vague

Mehr noch als im Westen erhält der Begriff des Filmgenres im japanischen Kino seine volle Bedeutung. Diese Tradition, die mit den Mantel- und Degenfilmen und den Samurai-Filmen begann, explodierte nach dem Krieg und wurde immer vielfältiger, was zu einer großen Vielfalt an Stilen führte. Das Trauma der Bombe führte zur Entstehung eines neuen Filmgenres, dem kaijū-eiga, oder Monsterfilm. Ishirō Hondas Godzilla (1954), das Flaggschiff dieser Bewegung, war ein Welterfolg, der eine ganze Reihe von Fortsetzungen und eine regelrechte weltweite Bewegung rund um die Figur des Monsters vor dem Hintergrund des Kalten Krieges und der ständigen Angst auslöste.

In den 1960er Jahren, als die Besucherzahlen in den Kinos zurückgingen und die Studios nach neuen Talenten suchten, traten zwei gegensätzliche und doch komplementäre Strömungen auf. Auf der einen Seite steht ein rebellisches und mittelloses Kino, das der Filmemacher der japanischen "Neuen Welle", mit Talenten wie Nagisa Ōshima(Nacht und Nebel in Japan, 1960), Yoshishige Yoshida(Der See der Frauen, 1966) oder Shōhei Imamura. Letzterer wurde in den 1960er Jahren in Frankreich bekannt und ist einer der wenigen Filmemacher, die in Cannes zwei Goldene Palmen erhielten, und zwar für seine Filme Die Ballade von Narayama (1983) und Der Aal (1997). Auf der anderen Seite gibt es ein ebenso mittelloses Kino, das jedoch weit weniger revolutionäre Ziele verfolgt: das Pinku-Eiga oder Erotikkino. Diese Filme wurden im Westen kaum gezeigt, brachten jedoch ein immer größeres Publikum in die Kinos und machten sie zu einem der wichtigsten Genres der zweiten Hälfte des ²⁰. Jahrhunderts, dessen Erbe bis heute anhält. In dieser Zeit entstanden auch die Yakuza-Filme, die vor allem von dem Regisseur Takeshi Kitano getragen wurden. Eine Welt, in der Gewalt und Defätismus angesichts einer zunehmend zügellosen japanischen Gesellschaft herrschen, gipfelte in den 1980er und 1990er Jahren in Filmen wie Sonatine (1993), der Kitano im Westen bekannt machte. Zu seinen größten Erfolgen vor der Kamera zählt Battle Royale (2000), der zweifellos einer der Kultfilme des Jahrzehnts ist. Die J-Horror-Filme, in deren Mittelpunkt Geister und böse Geister stehen, sind um die Welt gereist, bevor sie von Hollywood neu aufgelegt wurden, oft in einer Qualität, die weit unter der der Originale liegt. Zu den bekanntesten Vertretern dieser Art gehören The Grudge (Takashi Shimizu, 2002) oder The Ring (Hideo Nakata, 1998).

Heute leben all diese Genres mit einer neuen Generation von Filmemachern zusammen, die auf internationalen Filmfestivals ausgezeichnet wurden. So gewann Naomi Kawase mit Der Wald von Mogari (2007) den Großen Preis der Filmfestspiele von Cannes, Hirokazu Kore-Eda die Goldene Palme für Eine Familienangelegenheit (2018) und den Drehbuchpreis für L'Innocence (2023), während Sion Sono regelmäßig auf alternativen Festivals rund um sein ebenso vielseitiges wie einzigartiges Werk auf dem Programm steht. Mit Renoir (2025) wird Chie Hayakawa die erste japanische Regisseurin, die für den offiziellen Wettbewerb um die Goldene Palme in Cannes ausgewählt wurde, ein neuer weiblicher Touch für das japanische Kino an der Croisette.

Wenn Japan zum Leben erwacht

Der japanische Animationsfilm ist mehr als nur ein Genre, er ist eine eigenständige Industrie, die in der zweiten Hälfte des ²⁰. Jahrhunderts ihr Realfilm-Pendant an Ansehen überholt hat. Der Export dieser Billigproduktionen, der in den 1960er Jahren mit Astro Boy begann, explodierte in den 1980er Jahren mit Sendungen wie Le Club Dorothée. Dragon Ball, Die Ritter des Zodiak oder Sailor Moon eroberten die Fernsehbildschirme, während der japanische Anime mit dem Kultfilm Akira von Katsuhiro Otomo (1988) auf den großen Leinwänden der ganzen Welt seinen Durchbruch feierte. Von da an gab es Anime in allen Formen und Genres, und Millionen von Menschen strömten in die Kinos und auf Streaming-Plattformen, um die neuesten Episoden ihrer Lieblingssaga zu sehen. Unter den großen Studios nimmt Toei Animation einen wichtigen Platz in der japanischen Wirtschaftslandschaft ein und produziert die Serien und Filme Dragon Ball Super oder One Piece. Daneben hat sich das Studio Ghibli, das von seinen Mitbegründern Hayao Miyazaki und Isao Takahata getragen wird, mit Filmen, die von Poesie und Fantasy geprägt sind und gleichzeitig eine Botschaft des Friedens und der Universalität vermitteln, einen Namen gemacht. Mein Nachbar Totoro (1988), Das Grabmal der Glühwürmchen (1989) und Prinzessin Mononoke gehören zu seinen bekanntesten Filmen, ebenso wie Chihiros Reise (2001), der mit dem Oscar für den besten Animationsfilm ausgezeichnet wurde. Zur gleichen Zeit verfilmte der Filmemacher Mamoru Oshii den Manga Ghost in the Shell (1995). Oshii, der sowohl von europäischen Regisseuren als auch von seinen japanischen Zeitgenossen beeinflusst wurde, nimmt jedoch einen düstereren Blick auf die Gesellschaft seiner Zeit ein, eine Bitterkeit, die er in diese Cyberpunk-Dystopie einfließen lässt, die ebenfalls ein großer Publikumserfolg wurde. Satoshi Kon, ein weiterer Freigeist, war ein Meister der Stimmungen und Welten, die er in Perfect Blue (1997) oder Paprika (2006) in Szene setzte. Heute heißen die großen Filmemacher des japanischen Animes Mamoru Hosoda(Belle, 2022) und Makoto Shinkai(Your Name , 2015, Suzume, 2022), und die meistgesehenen Serien werden per Streaming auf speziellen Plattformen wie Crunchyroll oder ADN verschlungen, während Netflix mit Originalproduktionen Marktanteile hinzugewinnt. Der Aufstieg der Streaming-Plattformen beschleunigt die Verbreitung von Anime und fördert die Entdeckung von unabhängigeren und experimentelleren Werken, während gleichzeitig die großen Franchises konsolidiert werden. Sakamoto Days hat sich so als einer der meistgesehenen nicht-englischsprachigen Anime auf Netflix etabliert und erreichte in seiner ersten Woche mit 8,6 Millionen Views den 2ᵉ-Platz in den weltweiten Top 10.

Das 2023 in Niigata ins Leben gerufene Niigata International Animation Film Festival (NIAFF) hat sich seinerseits schnell zum größten Festival in Asien entwickelt, das sich ausschließlich abendfüllenden Animationsfilmen widmet. Seine 3ᵉ Ausgabe fand im März 2025 statt und bot ein reichhaltiges Programm mit internationalen Wettbewerben, Retrospektiven - insbesondere dem Regisseur Satoshi Kon gewidmet - und verschiedenen Nebenveranstaltungen. Dieses dynamische Festival hat bereits bedeutende Werke wie Kiyotaka Oshiyamas Look Back ausgezeichnet und legendäre Figuren wie Mamoru Oshii und Yoshiyuki Tomino angezogen. Das NIAFF ist ein gutes Beispiel für die wachsende Bedeutung Niigatas in der japanischen Animationsfilmlandschaft. Goro Miyazaki erzählte kürzlich, dass sein Vater Hayao Miyazaki bereits an einem neuen Spielfilm arbeiten könnte, den er als "nostalgischen Action- und Abenteuerfilm, der uns an die guten alten Zeiten erinnert" beschreibt. Von den Newcomern bis zu den Meistern der Animation, eines ist sicher: Der japanische Animationsfilm begeistert weiterhin alle Generationen und ist noch lange nicht am Ende seiner Geschichte angelangt.

Filme in Japan sehen

Schlechte Nachrichten für Kinofans: Die große Mehrheit der japanischen Kinos bietet keine Untertitel an oder zeigt bestimmte Filme sogar nur in synchronisierter Fassung. Doch Filmfans können beruhigt sein: Es gibt noch mehrere Möglichkeiten, die japanische 7ᵉ-Kunst vor Ort zu genießen. In Tokio ist das National Film Archive of Japan ein wahrer Schatz für Filmliebhaber. Das ehemals dem Museum für Moderne Kunst angegliederte Filmarchiv wurde 2018 unabhängig und bewahrt heute die Archive eines Jahrhunderts des Filmschaffens auf. Anime-Fans können hingegen im allerersten speziellen Themenpark, der im November 2022 in Aichi eröffnet wird, in die Traumwelt des Studios Ghibli eintauchen. Und wenn Sie das Glück haben, im Herbst in Tokio zu sein, sollten Sie sich das Tokyo International Film Festival nicht entgehen lassen, das seit 1985 jedes Jahr veranstaltet wird. Wählen Sie Ihre Termine mit Bedacht: In Japan wird das Kino sowohl auf der Leinwand als auch an den Orten, an denen es gefeiert wird, gelebt.