Besondere Geschmacksrichtungen
Es ist nicht so, dass es nicht existiert hätte, aber von den Anfängen des thailändischen Kinos ist nicht mehr viel übrig geblieben. Die ersten echten Spielfilme sind heute verschollen: eine amerikanisch-thailändische Koproduktion, Miss Suwanna de Siam (Henry MacRae, 1923), dann Double Chance (Manit Wasumat, 1927) oder Long Thang (1932), der erste Tonfilm, in dem Bangkok als Stadt des Verderbens dargestellt wurde. Der in englischer Sprache gedrehte Der König und der weiße Elefant (Sunh Vasudhara, 1940), ein Anti-Kriegs-Plädoyer, als sich die japanische Invasion abzeichnete, ist der erste Film, der erhalten geblieben ist. Der Zweite Weltkrieg und ein ungünstiges wirtschaftliches Umfeld behinderten die Professionalisierung der thailändischen Filmindustrie, deren Appetit jedoch ungebrochen war. Filme im 16-mm-Format wurden in großer Zahl produziert, ohne Rücksicht auf die Endbearbeitung, mit dem Ziel der sofortigen Rentabilität und auf Wandervorführungen im ganzen Land, bei denen die Synchronisation live stattfand. Ausländische Filme und Stummfilme werden ebenso behandelt, wodurch eine einzigartige Filmerfahrung und Tradition entsteht, die in einer Szene in Monrak Transistor (Pen-ek Ratanaruang, 2001) gewürdigt wird. Im Duett oder alleine werden einige Synchronsprecher zu echten Stars, die sämtliche Dialoge und Geräusche übernehmen und die Sitzung mit eigenen Kommentaren in einer virtuosen Bauchrednerei auflockern. Thailand, das während des Kalten Krieges nur wenige Verbündete der USA in der Region hatte, erhielt von der United States Information Agency (U.S.I.A.) umfangreiche Unterstützung, die dazu beitrug, dass sich die Filmvorführungen entwickelten und pro-amerikanische Inhalte verbreitet wurden. Gleichzeitig erlebte die Industrie ihre erste Revolution durch Rattana Pestonji, der als Vater des thailändischen Kinos gilt und Santi-Weena (1954), den ersten 35-mm-Film, oder Schwarze Seide (1961), eine seltsame Mischung aus Film Noir, Melodrama, buddhistischer Philosophie und traditioneller Musik, drehte. Von den späten 1950er bis in die 1970er Jahre kamen jedes Jahr zwischen 50 und 80 Filme heraus. Die Leinwände wurden von dem Schauspielerpaar Mitr Chaibancha und Petchara Chaowarat besetzt, die zwischen 1956 und 1970 in 165 Filmen auftraten, bevor der erste am letzten Drehtag vonGoldener Adler, bei dem er Regie führte, bei einem Sturz aus einem Hubschrauber ums Leben kam. Der Unfall wurde in der Endfassung des Films beibehalten, in neueren Ausgaben jedoch entfernt. Sein Tod markiert das Ende der übermäßigen Produktion von 16-mm-Filmen.
Die Jahre 1970-1980
1970 war Mon Rak Luk Thung (Rungsri Tassanapuk), ein ländliches Musical, ein damals sehr beliebtes Genre, ein riesiger Erfolg, der Luk Thung populär machte, ein Musikgenre, das aus einer Mischung verschiedener Einflüsse entstand. Es ist auch die Zeit des Vietnamkriegs, in der einige zehntausend amerikanische Soldaten in Thailand stationiert sind und die amerikanische Kultur verbreiten. Ausländische Regisseure kamen nach Thailand, um James Bond(Der Mann mit dem goldenen Colt, Guy Hamilton, 1974, in Khao Phing Kan) oder Filme über Vietnam(Reise ans Ende der Hölle, Michael Cimino) zu drehen. Als Anekdote sei erwähnt, dass eine von André Hunebelle inszenierte Episode der OSS 117-Reihe 1964 als Vorläufer fungierte. Die Freundschaft zwischen den USA und Thailand geriet jedoch 1977 ins Wanken, als die Regierung hohe Steuern auf ausländische Filme erhob, um die einheimische Produktion anzukurbeln, was ihr im Gegenzug einen Boykott von Hollywood einbrachte. Die Produktion schnellte weiter in die Höhe - 1978 wurden 150 Filme veröffentlicht - und bot mittelmäßige Kopien von Hollywoodfilmen an, die nicht mehr gezeigt wurden. Diese waren jedoch nur von kurzer Dauer, da sie 1981 wieder auftauchten. Die Qualität der meisten dieser Filme, bei denen es sich um B-Movies mit geringem Budget handelt, hat ihnen den sprechenden Spitznamen nam nao eingebracht, was so viel wie "krummes Wasser" bedeutet. Die handgemalten Plakate sind einfallsreich und in grellen Farben gehalten, wie die des Künstlers Tongdee Panumas. Es begann eine kritische Zeit, in der die Konkurrenz des Fernsehens die Filmindustrie lähmte, doch es gab einige, wenn auch sehr wenige, Anzeichen für einen großen Fortschritt. Es entstehen ambitioniertere und persönlichere Filme. Die von Apichatpong Weerasethakul gepriesenen Filme von Cherd Songsri, darunter Die Narbe (1977), eine Bauerntragödie in flammendem Technicolor. Sein Einfluss ist entscheidend für die Filme von Prinz Chatrichalerm Yukol, der der königlichen Familie angehört(Vollständiger Bürger, 1977, oder Der Auftragskiller, 1983, zwei ausgezeichnete Thriller), von Vichit Kounavudhi, der den von der Zentralregierung verlassenen Bauern des Isan und ihrer Lebensweise in Das Volk der Berge (1979) und Söhne des Nordostens (1982) besondere Aufmerksamkeit widmet. Euthana Mukdasanit zeugt von einer Inspiration, die von den üblichen Pfaden abweicht, wenn sie den Lebensweg eines Heroinabhängigen(Die Geschichte von Nampoo, 1984), die muslimischen Minderheiten im Süden nahe der malaysischen Grenze(Blumen und Schmetterling, 1985) oder eine psychiatrische Anstalt(Das rote Dach, 1987) beschreibt. An diese humanistische und naturalistische Inspiration wird Jira Maligool im 21. Jahrhundert mit The Tin Mine (2005) wieder anknüpfen, der Geschichte eines Kindes, das im Bezirk Kapong aufwächst.
Moderne Nostalgie: Eine neue Welle
Die Wiederbelebung des thailändischen Kinos fiel paradoxerweise mit der Wirtschaftskrise von 1997 zusammen. Unter der Leitung einiger Regisseure, die aus der Werbebranche kamen, wurden die Filme in einem zeitgenössischen Stil gedreht, der die lokale Kultur mit Einflüssen aus Hollywood und Hongkong vermischte und gerne geleckt oder geclippt wurde. Dies gilt auch für Nonzee Nimibutr, der den Gangsterfilm Dang Bireley and the Young Gangsters (1997), der in den 1950er Jahren spielt, und Nang Nak, die x-te Verfilmung der bekanntesten thailändischen Geistergeschichte, inszeniert hat. Sie ist auch die erfolgreichste. Er zeichnet sich durch gutes kommerzielles Kino aus, indem er weiterhin die von den thailändischen Zuschauern geliebten Genres wie den epischen Film(Piraten von Langkasuka, 2008) oder das romantische Drama(Timeline, 2014) Revue passieren lässt. Die Tränen des schwarzen Tigers (Wisit Sasanatieng, 2000), der in Cannes gezeigt wurde - eine Premiere! - ist eine ultra-referenzielle Hommage an das populäre Kino der 1950er und 1960er Jahre, die mit den rigorosen schillernden Farben aufgepeppt wird. Der Rest seiner Karriere verliert sich in Mainstream-Filmen ohne wirkliche Unterscheidung, vielleicht mit Ausnahme von OK baytong (2003) oder Citizen Dog (2004), einer romantischen Komödie, die mit einem ironischen Porträt von Bangkok kombiniert ist. Pen-ek Ratanaruang bleibt zwar zunächst zugänglich, zeigt aber auch mehr Originalität: Last life in the universe (2003) ist ein schöner Film, in dem seine Sünde, die ästhetische Suche, noch nicht die Geschichte überlagert hat, die von einem japanischen Bibliothekar und einer Prostituierten handelt, die durch unwahrscheinliche Umstände zusammengeführt werden. Der Rest seiner Filmografie kann sich nicht immer damit rühmen - Die Nymphe (2009) bietet zwar wunderschöne Bilder des Regenwaldes, aber wehe, es wird langweilig, während Paradoxocracy (2013) eine formvollendete Rückkehr in ein Genre ist, in dem man ihn nicht erwartet hätte, den Dokumentarfilm, und sich mit der Spaltung auseinandersetzt, die die politische Szene Thailands seit dem demokratischen Staatsstreich von 1932 immer wieder unterminiert hat. In der Zwischenzeit wählten die aus Hongkong stammenden Pang-Brüder Bangkok als Spielplatz für einen Thriller in dem für diese Zeit typischen knalligen und überdrehten Stil(Bangkok Dangerous, 2000). Prachya Pinkaew ist ein Genrefilm-Stakhanovist mit einem etablierten Beruf, der sich in Martial-Arts-Filmen wohlfühlt(Ong-bak, 2003, der Tony Jaa zu einem Star des Genres macht, oder Chocolate, 2008 - "Keine Kabel, keine Stunt-Doubles", verspricht der Trailer) und Hommagen an die Musicals von einst, die in den grünen Reisfeldern der Isan angesiedelt waren, an den Sauerkrautkopf, der als Hauptfrisur galt, und an die bunte Kleidung, die damals in Mode war(Yam Yasothon, 2005). Shutter (Banjong Pisanthanakun und Parkpoom Wongpoom, 2004) ist einer der besten Horrorfilme dieser Zeit. Gleichzeitig findet eine Welle des Autorenkinos statt. Apitchapong Weerasethakul ist sowohl der Inspirator bei seinen Kollegen als auch der Liebling der Zuschauer. Sein Werk, das manchmal trocken(Tropical Malady, 2004), oft dampfend und sinnlich(Syndromes and a Century, 2006) ist, wurde 2010 in Cannes mit einer Goldenen Palme ausgezeichnet, und zwar mit Oncle Boonmee, der sich an seine früheren Leben erinnert, einer schillernden Träumerei durch die thailändische Psyche. Aditya Assarats erster Spielfilm Wonderful T own (2007), eine Liebesgeschichte inmitten der vom Tsunami 2004 verwüsteten Landschaft der südlichen Stadt Takua Pa, ist zwar konventioneller, aber ähnlich poetisch.
Ausländische Regisseure
Die katastrophale Tsunami-Episode wurde in einem auf einer wahren Geschichte beruhenden The Impossible des spanischen Regisseurs Juan Antonio Bayona nachgezeichnet, der sowohl Katastrophenfilm als auch Melodram ist (und hauptsächlich in Spanien gedreht wurde). Mit The Scala (2015) widmete Assarat einem legendären Kinosaal, der in den 1970er Jahren gebaut wurde, einen Dokumentarfilm. Ebenfalls dampfend, je nach Stimmung schläfrig oder träumerisch ist das Kino von Pimpaka Towira mit The Island Funeral (2015), in dem die Reise einer jungen Frau durch die Region Pattani als Vorwand für eine dumpfe Beschwörung der politischen Unruhen dient, die das Land bewegen. Da der Tourismus in Thailand stetig zunimmt - ein Phänomen, das zum Teil von The Beach (Danny Boyle, 2000) prophezeit wurde, der zwischen Phuket und Koh Phi Phi Lee gedreht wurde -, kommen ausländische Regisseure nach Thailand, um sich inspirieren zu lassen, und insbesondere nach Bangkok. Nicolas Winding Refn, der sich von den Neonlichtern angezogen fühlt und einen atmosphärischen Krimi(Only God Forgives, 2013) dreht, Katsuya Tomita, der einen Ausflug in den Nordosten nach Laos unternimmt, außerhalb des Rotlichtviertels der Thaniya Road, wo seine Heldin arbeitet (Bangkok Nites, 2016), oder auch der taiwanesische Regisseur Midi Z, der sich für zwei burmesische Einwanderer interessiert, die hier ein besseres Leben finden wollen(Adieu Mandalay, 2016).
