Malerei

Die Malerei ist eine der ersten Künste, die in Japan praktiziert wurden. Die Kunst des Kaiga hat im Laufe der Jahrhunderte eine breite Palette von Stilen angenommen. Man sollte zwischen der Malerei vor und nach 1868, dem Beginn der Meiji-Zeit, unterscheiden.

Davor ist der Einfluss der chinesischen Malerei in der Einführung von Wolken zur Fragmentierung einer Landschaft, von Blumen und Vögeln spürbar. Die Malerei der Heian-Zeit (794-1185) und ab dem 17. Jahrhundert die der Rinpa-Schule sind von allen chinesischen Merkmalen verschont geblieben.

Während der Kamakura-Periode (1185-1333) illustrierten die Maler das Leben von Geistlichen und großen Persönlichkeiten sowie Romane vom kaiserlichen Hof. Es entsteht eine neue Art der einfarbigen Malerei, die mit Lavuren ausgeführt wird. Unter dem Ashikaga-Regime gewinnt die Porträtmalerei an Bedeutung.

Der buddhistische Malermönch Sesshū, ein Meister der monochromen Tuschewaschung, interpretiert die lyrische Bewegung der chinesischen Song-Künstler neu. Die Komposition, die häufig von rechts nach links und von unten nach oben verläuft, hebt die schwarzen Massen und die allmähliche Verdünnung der Schwarztöne hervor. In dieser Epoche herrscht auch die Kanō-Schule vor. Der einflussreichste von ihnen, Motonobu, mischte leichte, transparente Lavuren mit breiten Tuschewaschungen.

In der Momoyama-Zeit (1573-1600) war die herrschende Macht besonders stark. Die Kanō-Schule schmückt weiterhin die Residenzen und Paläste. Die chinesischen Ming sind sehr einflussreich. In dieser Zeit entdecken die Japaner die Ölmalerei mit einer von Franz Xaver mitgebrachten Madonna.

In der Edo-Zeit (1600-1868) wird den Kanō der offizielle shōgunale Schutz zugesichert. Der Maler Kōetsu Honami nutzt den Einfluss der Kanō und der Tosa für die Malerei einfacher, stilisierter und farbenfroher Blumenschirme. Nun werden auch farbige Waschungen verwendet. Während der Edo-Zeit entwickelt sich auch die Druckgrafik. Es bildet sich eine Schule von Malern rund um dasUkiyo-e, ein Gemälde der vergänglichen Welt und eine modische Malerei. Diese Maler wurden nach und nach zu Kupferstechern. Diese Holzschnitte ermöglichten es, zu niedrigen Preisen für eine neue Gesellschaftsschicht zu produzieren. Man malte und gravierte Kurtisanen, Szenen aus dem täglichen Leben und Kabuki-Schauspieler. Nach und nach werden die Themen vielfältiger und man sieht Landschaften, Tiere, Blumen etc. Ab 1765 erscheint der mehrfarbige Druck mit seinen großen Meistern: Harunobu Suzuki und Kiyonaga Torii, dann Utamaro Kitagawa und schließlich Hokusai Katsushika und Hiroshige Andō, wobei die beiden letzteren Meister der Landschaftsmalerei sind.

Erste westliche Beiträge

Die Entstehung der sogenannten zeitgenössischen Malerei in Japan geht auf das 18. Jahrhundert zurück. Sie ist geprägt von ausländischen Einflüssen, insbesondere von chinesischen. Die Holländer führten in Nagasaki die Gesetze der Perspektive ein. Die Malerei ist in zwei Richtungen gespalten: eine realistische und eine eher idealistische.

Die realistische Strömung, die oft als Maruyama-Shijō-Schule bezeichnet wird, wendet aus dem Westen stammende Verfahren auf Landschaften an. Er schwankt zwischen einem sehr akribischen und einem dekorativen Stil. Goshun (Gekkei Matsumura, 1752-1811), der Gründer der Shijō-Schule, wurde von Buson Yusa in der Kunst der Haikus beeinflusst. Seine erste Periode ist direkt aus der Dominanz des Stils von Buson Yusa hervorgegangen, die zweite durch eine Rückkehr zu Ōkyo Maruyama gekennzeichnet. Im Blauen Reiher mit Hibiskus lassen sich die Merkmale von Buson bewundern, und in seinen späteren Werken, wie den Blühenden Pflaumenbäumen, eine Rückkehr zu der von Ōkyo geliebten monochromen Technik. Die realistischere Tendenz entwickelte sich in der Schule der Bunjin (Gelehrte), Intellektuelle, die unter dem Einfluss des Konfuzianismus standen. Die Malerei ahmt die chinesische Kunst mit einem spezifisch Zen-orientierten Touch nach. Diese Schule, die besser als Nanga-Schule bekannt ist, bekräftigt den Adel der Gefühle, der Gemütszustände und der sozialen Stellung. Die Künstler verwenden eine kostbare Kalligraphie und versuchen, eine zarte und stille Poesie durchzusetzen.

Meiji-Zeitalter

Die Öffnung gegenüber dem Westen ab 1868 führte zu einer Begeisterung für die Ölmalerei. Es entstand eine neue Malerei, die als Nihonga oder japanische Malerei bezeichnet wird. Sie bedient sich traditioneller Techniken und bringt verschiedene Einflüsse ein, darunter die der Kanō, Tosa, Kōrin usw. Ernest Fenellosa (1853-1908) oder Fenerōsa, ein amerikanischer Soziologe, der in Boston Kunst studiert hatte, gründete die Universität der Schönen Künste in Tōkyō. Die Ölmalerei wird zur vorherrschenden Technik. Einige kehren zum Yamato-e (Bilder aus Yamato = Japan) zurück, andere zu den chinesischen Quellen, wieder andere zum Stil des Suiboku-ga . Die Malerei bleibt bis zum Ende des Zweiten Weltkriegs den literarischen Strömungen verhaftet.

Eres Taishō (1912-1926) und Shōwa (1926-1989)

Japanische Künstler brachten von ihren Aufenthalten in Europa die Hinterlassenschaften des Impressionismus mit. Unter den Avantgarden der 1920er Jahre steht das Mavo-Manifest in der Tradition des Futurismus und des Konstruktivismus: Yanase Masamu praktiziert die Fotomontage. Als Reaktion darauf vereint die Inten-Bewegung Künstler, die sich von westlichen Strömungen absetzen.

Die Shōwa-Ära (1926-1989) ist durch das Talent von Sōtarō Yasui und Ryūzaburō Umehara geprägt, die Matisse (ersterer) und Renoir (letzterer) nahestehen. Umehara gründete die Gruppe Kokuga-kai und war der erste, der Fotografen in sein Kollektiv aufnahm.

Ab den 1930er Jahren wird der Surrealismus zu einem Phänomen. Der surrealistische Club ACC (1930-1942) zeichnet sich durch kreative Fotografie und die vom Kubismus und Surrealismus übernommene Collage aus.

Saburō Hasegawa, der 1929 von einer Europareise zurückgekehrt war, brachte die abstrakte Kunst nach Japan. Die Abstraktion profitiert von der japanischen Raffinesse und Nüchternheit. Die Erneuerung der japanischen Kunst wird von Yoshihara Jirō gebracht, der die avantgardistische Gutai-Bewegung anführt. Er berief sich auf Jackson Pollock, befürwortete das Rohmaterial und ebnete den Weg für das Happening .

Der Zweite Weltkrieg, der für Zensur und Propaganda steht, beschränkt die Kunst auf patriotische Themen.

Drucke

Diese Werke, die Bilder und Texte enthalten, sind in Wahrheit Xylographien, da sie auf einen Holzblock graviert wurden. Die bekanntesten entwickelten sich in der Edo-Zeit und sind Ukiyo-e, oder Bilder der schwebenden Welt.

Europäische Liebhaber japanischer Drucke beziehen sich oft auf erotische Drucke. Diese Shunga genannte Kunst folgt der sinnlichen Literatur. Shunga illustrieren Romane, die ein wenig beschwerlich sind. Die Ursprünge der Shunga bleiben von dem Wunsch geprägt, die Natürlichkeit der körperlichen Beziehung gemäß den Shintō-Glauben auszudrücken, die frei von jeglicher Schamhaftigkeit jüdisch-christlicher Art ist. Die Shunga sind in gewisser Weise an der sexuellen Erziehung von Liebenden und zukünftigen Eheleuten beteiligt.

Japanische Fotografie

Die Praxis der Fotografie fand erst in den 1950er Jahren Eingang in die japanische Kultur.

Der Protestler Ken Domon (1909-1990) wurde wegen seines menschlichen Blicks schnell unter polizeiliche Aufsicht gestellt. Er dokumentiert die Arbeitslosigkeit, das Elend und die Traurigkeit eines Volkes. Seine Serie Hiroshima zeigt der ganzen Welt die Überlebenden der Atombombe. Parallel dazu fotografiert er die traditionelle Gesellschaft, insbesondere buddhistische Tempel.

Araki Nobuyoshi, geboren 1940, bringt den Begriff der Intimität in die Fotografie ein. Sein Ansatz, den er als "Erotos" bezeichnet, ist sowohl in der Sehnsucht nach Sex und Leben als auch in der Anziehungskraft des Todes verankert.

Daido Moriyama und Shomei Tomatsu werden von einer gemeinsamen Leidenschaft für Tokio angetrieben.

Skulptur

Die meisten Produktionen sind zunächst mit der buddhistischen Tradition verbunden. Die Unkei-Schule im späten 12. Jahrhundert trägt zum Aufstieg dieser Kunst in Japan bei.

Im modernen Japan, insbesondere in Tōkyō, sind Statuen und Denkmäler Teil des Stadtbildes. Holz und natürliche Materialien werden von zeitgenössischen Bildhauern bevorzugt.

Takashi Murakami und zeitgenössische Fülle

Takashi Murakami (*1962) inszeniert gerne eine Figur mit großem Kopf, Dob, der zu seinem Selbstporträt geworden ist. Seine Kunst ist stark von der Welt der Mangas und der Otakus geprägt. Dieser würdige Erbe Warhols bildete sich zunächst im Nihonga aus. Seine farbenfrohen Werke umfassen Skulpturen, Gemälde, Installationen und Videos. Im Jahr 2001 übernahm er die Führung der Neo-Pop-Bewegung Superflat, die die Autonomie Nippons gegenüber westlichen Referenzen bekräftigte. Murakami stellt weltweit aus.

Murakami führte außerdem Regie bei den Musikvideos It Girl von Pharrell Williams und You Should see me in a crown von Billie Eilish.

Seit der Katastrophe von Fukushima im Jahr 2011 entsteht in Tōhoku und Umgebung eine neue Generation von Künstlern. Im Gegensatz zum Superflat, der ein manchmal oberflächliches Bild von Japan vermittelt, zeigen sich ihre Werke realistischer und engagierter. Diese Post-Fukushima-Welle drückt die Zweifel und Enttäuschungen eines Volkes aus, das mit den Herausforderungen der Atomisierung und des Wiederaufbaus konfrontiert ist. In Tōhoku spielen mehrere Institutionen eine wichtige Rolle bei der Aufwertung dieser zeitgenössischen Kunst. Das Kunstmuseum von Aomori (Aomori Museum of Art) zeichnet sich durch innovative Ausstellungen aus, die moderne Kunst und lokale Kultur miteinander verbinden und sowohl japanische als auch internationale Künstler beherbergen. Das nicht weit entfernte Hirosaki Art Museum bietet Raum für die Entdeckung zeitgenössischer Kunst in einem Rahmen, der Geschichte und Moderne verbindet und regionale Talente aufwertet. In Niigata, einer Stadt an der Schnittstelle kultureller Einflüsse, bietet das Niigata City Art Museum eine reiche Sammlung moderner und zeitgenössischer Werke mit einem Schwerpunkt auf Künstlern, die mit der Region Hokuriku und Tōhoku verbunden sind. Dieses Museum setzt sich für die Förderung einer Kunst ein, die in den lokalen sozialen und ökologischen Realitäten verankert ist, als Echo auf die Anliegen nach 2011. So wird in diesen von der Geschichte und den zeitgenössischen Herausforderungen geprägten Gebieten die zeitgenössische Kunst zum Spiegel der sozialen Transformationen. Diese Museen und Kunstzentren spielen eine Schlüsselrolle bei der Anerkennung einer pulsierenden Kunstszene, die fernab der großen Metropolen liegt und dennoch tief mit dem heutigen Japan verbunden ist.